Jägersbraut – Freischütz – Kaspar

Carl Maria von Weber hatte seine Oper Die »Jägersbraut« nennen, also die Rolle der Agathe betonen wollen. Auch wenn es um den Jäger Max geht – seine Welt dreht sich um Agatha. Der Berliner Intendant der Uraufführung war wegen der romantischen Anziehungskraft für den Titel »Der Freischütz«, unter dem die Oper heute bekannt ist. Nach der Dresdner Aufführung hätte man sie aber auch »Des Kaspars Abgründe« nennen können.

Populär, vielgespielt, mit Deutungen belegt. Die romantische, deutsche Oper – ein undankbares Werk? Zumindest gibt es für einige Regisseure eine Hemmschwelle, das Stück zu inszenieren. Axel Köhler gehörte dazu, bis die Anfrage von der Semperoper kam. Doch er fand seinen Ausweg: Zwischen biedermeierlicher Jägerromantik und spektakulärer Neudeutung besann er sich auf den Hintergrund der Oper: das Ende des Dreißigjährigen Krieges. Vor allem in der Person des Kaspars, der seine nicht immer feinen »Schelmliedlein« und auch die Geheimnisse des Freikugelgießens in der Soldatenwelt kennenlernte, finden sich Bezüge. Axel Kohler läßt diese noch stärker hervortreten, mit zerstörten und beschädigten Häusern, verunsicherten Menschen, die sich danach sehnen, wieder in einer heileren Welt zu leben. Damit betont Köhler die handlungsprägende Rolle Kaspars.

Das Stück

Der Jäger Max und Agathe, seine Braut, wollen heiraten. Beide wollen dies, das ist unstrittig, auch Agathes Vater, der Förster, ist der Beziehung zugetan. Der »formelle Akt« der Hochzeit sieht jedoch einen »Probeschuß« vor, denn neben der Braut gewinnt der Bräutigam auch eine Erbförsterei – seit Urväterzeiten ist dies Brauch. Da Max, der beste Schütze weit und breit, in letzter Zeit nichts mehr traf, läßt er sich von Kaspar überreden, in der Wolfsschlucht Freikugeln zu gießen. Sieben Stück – die ersten sechs treffen, was der Schütze will, die siebente, was der Teufel begehrt. Max und Kaspar haben die ersten sechs schnell verschossen, die siebente trifft Kaspar. Agathe stürzte auch, doch ist sie nur vom Schrecken zu Boden geworfen. Wegen des Freikugelgießens eigentlich vom Fürsten mit Bann belegt, bekommt Max durch den einschreitenden Eremiten eine zweite Chance: er erklärt den Akt des Probeschusses als unzeitgemäß, also zu beenden, und erwirkt ein Probejahr für Max. Nach Ablauf desselben darf er Agathe heiraten.

Die Dresdner Inszenierung

Arne Walthers Bühnenbild gibt eine beschädigte Welt wieder. Waldschenke und Försterhaus weisen eingestürzte oder löchrige Mauern auf, Fenster sind zerstört oder hängen schief in den Angeln, Dächer nur noch teilweise vorhanden. In dieser Umgebung schafft Axel Köhler eine gespenstische Atmosphäre – ganz ohne Gespenster. Denn das Gespenst ist der Krieg, ist der Mensch. Der Wald, die Ruinen, Licht (Fabio Antoci) und Projektionen (Axel Köhler und Knut Geng) sorgen für Gänsehaut und Grusel. Immer wieder wird der Krieg einbezogen, Assoziationen zum zerstörten Dresden sind da vielleicht gewollt (bedenkt man die Bedeutung von Aufführungen des »Freischütz’« vor und nach der Zerstörung des Opernhauses), werden dem Publikum aber nicht aufgedrängt. Direkte Dresden-Zitate gibt es nicht, im großen und ganzen bleibt das Stück in seiner Zeit, nur in der Wolfsschluchtszene flackert die Zukunft mit Jagdfliegern kurz bedrohlich herauf. Köhlers Effekte zielen auf das Unterbewußtsein und die Sinne und vermeiden auch überladene Symbolik, wie man sie schon mit unzähligen Hakenkreuzen und Matrosenanzügen aufgedrängt bekam. Dabei nutzt das Inszenierungsteam die Größe der Bühne – man ist hier zu Hause und weiß, was die Sichtbarkeit aus dem Zuschauerraum zuläßt. Nur im zweiten Akt, im Försterhaus, wird die Perspektive reduziert, wenn Agathe, Ännchen und Max in der Höhe agieren, weil gleichzeitig gezeigt wird, was sich (immer) »darunter« (hier also unter dem Försterhaus) befindet, was sich dort abspielt. Eine heile Welt zeichnet Axel Köhler nicht.

Musik und Sänger

Christian Thielemann tut es nicht minder. Schon in der Ouvertüre läßt er das abgründige aufblitzen, versetzt sein Publikum (ja, es ist zu einem großen Teil sein Publikum) in eine Welt voll Nebel, aber auch Hoffnung. Webers Ouvertüre kommt ohne ein Bühnenbild aus, bei Thielemann allemal. Der süffige, prägnante Klang der Staatskapelle – was die Hörner mit dem Beginn versprechen, hält das Orchester den ganzen Abend – es ist schlicht atemberaubend. Dicht, aufgeladen formt Thielemann keine böhmische Beschaulichkeit, sondern künstliche Volkstümlichkeit, unter der es brodelt und kocht. Oft, weil immer etwas im Spiele ist – der Teufel, der Krieg. Dafür genießt man die hellen Lichtblicke um so mehr, aber man genießt auch, wenn Fagotte ein teuflisches Gelächter anstimmen, wenn Celli schwelgen…

Georg Zeppenfeld, von der Inszenierung ins Zentrum gerückt, poliert die Figur des Kaspar auf, abgründig, verloren. Sein Kaspar ist kein Schwerenöter oder roher Säufer – der hat seine Seele schon verkauft! Und wenn er »Samiel herbei!« ruft, das klingt es so angstvoll und verzagt, als wollte er eigentlich »bleib fern!« sagen. Seelenabgründe! In prächtiger Spiellaune steigert Zeppenfeld seinen Kaspar bzw. versinkt in Bodenlosigkeit – mit jedem Male klingt das Kaspar-Motiv schauriger, teuflischer, woran auch Christian Thielemann eifrig mitmalt.

Auch Michael König ist weit entfernt vom strahlenden Jüngling, der eben mal zaudert. Sein Max steckt in einer tiefen Krise – wen wundert’s? Die versprochene Agathe nebst Erbförsterei sind auch eine Belastung, die Bauern nicht seine Freunde – da wird eine Pechsträhne genutzt, ihn zu verhöhnen. Aus eigener Kraft kommt er da nicht heraus. Michael König wandelt in den Stimmungen, braust auf, wird zornig, bittet, fleht. Hochemotional durchläuft Max die Register der Seelenstimmungen, Michael Königs Stimme bleibt dabei geschmeidig und wandelbar.

Auch Sara Jakubiak als Agathe hat viel Verzagtheit in der Stimme. Die mit leichtem Akzent gesprochenen Texte mögen Geschmackssache sein, auch fehlte der Sopranistin zu Beginn noch etwas Sicherheit, doch bewies sie am Premierenabend, daß sie in die Rolle weiter hineinwachsen kann – diesen Raum sollte man ihr gönnen. Agatha sucht inmitten von Ruinen, aus dem und den übriggebliebenen ihr Glück zu gewinnen – man hofft mit ihr.

Ungetrübt von all den Ereignissen scheint Ännchen (Christina Landshamer). Woher sie ihren Frohsinn nimmt, fragt man sich, doch läßt sie an der einen oder anderen Stelle durchblicken, daß auch der aufgesetzt ist – Spiel im Spiel. Leichtfüßig schwingt sie sich durch die Partien und gehört zu den treibenden und belebenden Kräften des Stückes.

Unter den weiteren Rollen fällt besonders Sebastian Wartigs Kilian auf. Kraftstrotzend und protzend hat er das Glück und die Lacher auf seiner Seite, und färbt damit die Stimmung gleich zu Beginn in der Schenke. Das geht schon über einen derben Spaß hinaus, wie er Max foppt – kein Wunder, daß sich beide prügeln, wo getanzt werden sollte. Doch selbst diese Umdeutung, der Rückbezug auf Aggression und Krieg statt des heiteren Festes, paßt in Axel Köhlers Konzept. Ruhe ausstrahlen und einen Impuls für den Aufbruch geben kann schließlich nur der Eremit (Andreas Bauer), dem das Schlußwort, zumindest der Richtspruch, zusteht. Dem beugt sich sogar der Landesfürst (elegant und glatt: Adrian Eröd). Andreas Bauer legt die Rolle nicht neu an verbindet so auch ein wenig die neue Inszenierung mit der alten, in der Theo Adam bei seinem letzten Auftritt den Eremiten spielte.

Und Samiel? Den gibt es fast gar nicht. Zumindest ist Axel Köhlers Inszenierung frei von Teufelsmasken und Spukgestalten. Sein Samiel ist das allgegenwärtig abgründige, aber auch das fehlbare im Menschen. Statt Horrormaske gibt es vor allem einen hörbaren Samiel, der als Stimme aus dem Untergrund höhnt. Leider etwas zu laut, was aber ein rein technisches Problem und lösbar sein sollte, zählt er lakonisch mit, wenn Kaspar Freikugeln gießt – wie konnte der denken, daß er sich mit neuen Opfern freikaufen könnte? Samiel scheint das Menschenschicksal zu langweilen.

Katharina Weissenborns Kostüme sind praktisch und farbenfroh – im Gegensatz zu den Häusern haben sich die Menschen schon wieder herausgeputzt. Jäger und Bauern sind so gekleidet, wie man es erwartet.

Hier und da hört man ein Murren im Publikum, mancher hätte mehr erwartet, geht der subtile Ansatz nicht weit genug. Andere entrüsten sich über den Kriegsbezug, doch alles in Maßen – keine Aufregung.

Axel Köhlers Sichtweise offenbart eine Perspektive, die freizulegen lohnt. Störend oder nicht stimmig sind Kleinigkeiten. Der letzte Schuß eines Knaben, als nach dem Richtspruch der Aufbruch ansteht – er soll wohl zeigen, daß nicht alles sich zum besseren ändert, sondern vieles so bleiben wird, wie es immer war (schon Kindern bringt man das Schießen bei). Eine zweite Chance bekommt eben nur Max. Oder die Rolle der Hinkenden. Stumme Mittlerin zwischen den Parteien und Ebenen, fehlt ihr letztlich die schlüssige Notwendigkeit, die Aufdringlichkeit anderer Regieansätze, welche Personen hinzufügen, geht ihr allerdings auch ab.

Was bleiben wird: eine verständliche, handwerklich saubere Neufassung des für Dresden so bedeutenden Stückes, das musikalisch nicht nur die Erwartungen erfüllt, sondern mit Glanz und Klang beeindruckt, und der Star der Aufführung ist Georg Zeppenfeld.

2. Mai 2015, Wolfram Quellmalz

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